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Peintre, Brenda Burke, Art, Peinture, Tableau, Toile
La Cathédrale de Rouen, de Claude Monet
Entre les années 1892 et 1893, Monet peint une série de toiles de la cathédrale Notre-Dame de Rouen. Il peint à partir de différents points de vue et à différentes heures du jour. Le peintre exécutera pas moins d'une trentaine de toiles prenant la Cathédrale comme modèle. Claude Monet immortalise la cathédrale Notre-Dame de Rouen à partir de trois points de vue. Les premiers tableaux sont peints en février 1892 et représentent la cathédrale vue de la Cour d'Albane. Ces toiles seront les seules réalisées en plein air.
Ensuite, il prend place dans un atelier qui changera deux fois. Il s'installe notamment au premier étage du Bureau des Finances, actuel Office de Tourisme de la Communauté de Rouen vallée de Seine Normandie. Il produit vingt-huit vues du portail occidental à différents moments de la journée. L'ensemble est peint entre 1892 et 1893 lors de deux campagnes distinctes et post datées de 1894. Claude Monet peint jusqu'à 14 versions à la fois, en passant d'un tableau à l'autre selon les variations de la lumière en fonctions des horaires de la journée.
Ce n'est seulement qu'une dizaine de jours avant d'avoir terminé sa campagne des cathédrales que Monet pénètre pour la première fois dans la cathédrale après avoir passé deux ans devant son portail. Vingt de ces toiles sont présentées en 1895 chez le marchand Durand-Ruel où elles suscitent l'admiration de peintres célèbres comme Degas, Cézanne, Pissarro et Renoir. Claude Monet et sa campagne des cathédrales prennent une place prépondérante dans le développement et la promotion de l'impressionnisme en France et dans le monde entier.
Année 1866
Technique huile sur toile
Dimensions (H × L) 185 1 cm × 128 6 cm
Localisation Metropolitan Museum of Art
Technique huile sur toile
Dimensions (H × L) 185 1 cm × 128 6 cm
Localisation Metropolitan Museum of Art
La Femme au perroquet est un tableau réalisé par le peintre Édouard Manet en 1866. La toile représente la modèle préférée de l'artiste, Victorine Meurent, vêtue d'un déshabillé très correct, tenant à la main un petit bouquet de violettes et accompagnée d'un perroquet. Il s'agit probablement, dans l'½uvre de Manet, du portrait de Victorine Meurent contenant les tonalités les plus douces et les plus sages.
Le tableau est en réalité un clin d'½il à une toile homonyme de Gustave Courbet représentant une femme nue avec un perroquet.
Le tableau est en réalité un clin d'½il à une toile homonyme de Gustave Courbet représentant une femme nue avec un perroquet.
Le Déjeuner sur l'herbe est un tableau d'Édouard Manet datant de 1862-1863, d'abord intitulé Le Bain, puis La Partie carrée, qui a provoqué un scandale lorsqu'il a été proposé au Salon de Paris.
La juxtaposition d'une femme nue « ordinaire », regardant le public, et de deux hommes tout habillés a suscité la controverse lorsque l'½uvre a été exposée pour la première fois au Salon des Refusés en 1863.
La juxtaposition d'une femme nue « ordinaire », regardant le public, et de deux hommes tout habillés a suscité la controverse lorsque l'½uvre a été exposée pour la première fois au Salon des Refusés en 1863.
Année: 1862-1863
Type: Huile sur toile
Dimensions (H × L): 208 cm × 265 cm
Localisation: Musée d'Orsay, Paris
Type: Huile sur toile
Dimensions (H × L): 208 cm × 265 cm
Localisation: Musée d'Orsay, Paris
Cette peinture peut être interprétée comme une version moderne du Concert champêtre (1508-1509) du peintre de la Renaissance Titien (½uvre précédemment attribuée à son maître Giorgione).
Dans cette allégorie de Poésie, on voit deux femmes nues (Calliope et Polymnie, Muses de la poésie épique et lyrique) en compagnie de deux jeunes hommes bien habillés, l'un d'eux jouant du luth. La scène se situe dans un paysage arcadien. Manet a repris ce thème avec des personnages modernes, présentant la scène comme un « pique-nique en forêt ». Le Déjeuner est en fait un manifeste d'une nouvelle façon de peindre et, en effet, d'une nouvelle conception de l'art et de la relation entre l'art et son public.
La composition, d'un autre côté, est dérivée d'une scène avec des dieux de la rivière dans une gravure (1514-1518) de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël), Le Jugement de Pâris. Toutefois, en ajoutant une femme (disproportionnée) qui se baigne à l'arrière-plan, Manet rompt l'harmonie de cet exemple.
La représentation de deux couples qui se reposent dans un parc ou dans un décor similaire était un sujet classique dans la peinture galante, tel qu'illustré dans La Partie carrée (1713) d'Antoine Watteau. James Tissot, contemporain et ami de Manet, a peint sa propre version du thème en 1870.
Dans cette allégorie de Poésie, on voit deux femmes nues (Calliope et Polymnie, Muses de la poésie épique et lyrique) en compagnie de deux jeunes hommes bien habillés, l'un d'eux jouant du luth. La scène se situe dans un paysage arcadien. Manet a repris ce thème avec des personnages modernes, présentant la scène comme un « pique-nique en forêt ». Le Déjeuner est en fait un manifeste d'une nouvelle façon de peindre et, en effet, d'une nouvelle conception de l'art et de la relation entre l'art et son public.
La composition, d'un autre côté, est dérivée d'une scène avec des dieux de la rivière dans une gravure (1514-1518) de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël), Le Jugement de Pâris. Toutefois, en ajoutant une femme (disproportionnée) qui se baigne à l'arrière-plan, Manet rompt l'harmonie de cet exemple.
La représentation de deux couples qui se reposent dans un parc ou dans un décor similaire était un sujet classique dans la peinture galante, tel qu'illustré dans La Partie carrée (1713) d'Antoine Watteau. James Tissot, contemporain et ami de Manet, a peint sa propre version du thème en 1870.
La Liberté guidant le peuple, tableau par Eugène Delacroix
La Liberté guidant le peuple ou Scènes de barricades selon le nom donné lors de sa première exhibition le 28 juillet est une huile sur toile d'Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses. Présentée au public au Salon de Paris de 1831, l'½uvre est transférée du musée du Luxembourg (où elle était exposée depuis 1863) au musée du Louvre en 1874 où elle est l'une des ½uvres les plus fréquentées. Par son aspect allégorique et sa portée politique, elle a été fréquemment choisie comme symbole de la République française ou de la démocratie.
L'½uvre assez imposante (325 cm × 260 cm) fut réalisée entre les mois d'octobre et de décembre 1830. La scène se passe à Paris, comme l'indiquent les tours de la cathédrale Notre-Dame qui émergent des fumées du dernier plan. Une foule d'émeutiers franchit une barricade. Au premier plan, associés aux matériaux–- pavés et poutres – que forment cette barricade, les corps de soldats morts apparaissent tordus et comme désarticulés. L'un gît nu. Un ouvrier ou un paysan blessé, foulard noué sur la tête, émerge des décombres, le corps et le regard tendus vers une femme du peuple, coiffée d'un bonnet phrygien qui laisse s'échapper des boucles. Celle-ci est représentée en pied et occupe de fait une place importante. Elle brandit par la hampe un drapeau tricolore qui occupe l'axe médian de la toile. Sa poitrine est en partie découverte. On distingue quatre autres personnages aux abords de la barricade : deux enfants des rues – l'un coiffé d'un béret brandissant des pistolets de cavalerie, la bouche ouverte sur un cri, l'autre coiffé d'un bonnet de police s'agrippant au pavé – un homme coiffé d'un haut-de-forme (qui laisse penser que c'est un bourgeois) mais portant le pantalon et la ceinture des ouvriers, les genoux sur la barricade, et un ouvrier portant béret, un sabre briquet à la main et sa banderole sur l'épaule. Les principaux protagonistes s'inscrivent dans un triangle dont le sommet est le drapeau. Les couleurs dominantes sont les bleu, blanc et rouge qui émergent des teintes grises et marron. La lumière semble provenir de l'arrière-plan et la femme s'avance vers nous en contre-jour. Les couleurs chaudes dominent les corps des émeutiers.
(1830)
(Musée du Louvre, Paris)
La Liberté guidant le peuple ou Scènes de barricades selon le nom donné lors de sa première exhibition le 28 juillet est une huile sur toile d'Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses. Présentée au public au Salon de Paris de 1831, l'½uvre est transférée du musée du Luxembourg (où elle était exposée depuis 1863) au musée du Louvre en 1874 où elle est l'une des ½uvres les plus fréquentées. Par son aspect allégorique et sa portée politique, elle a été fréquemment choisie comme symbole de la République française ou de la démocratie.
L'½uvre assez imposante (325 cm × 260 cm) fut réalisée entre les mois d'octobre et de décembre 1830. La scène se passe à Paris, comme l'indiquent les tours de la cathédrale Notre-Dame qui émergent des fumées du dernier plan. Une foule d'émeutiers franchit une barricade. Au premier plan, associés aux matériaux–- pavés et poutres – que forment cette barricade, les corps de soldats morts apparaissent tordus et comme désarticulés. L'un gît nu. Un ouvrier ou un paysan blessé, foulard noué sur la tête, émerge des décombres, le corps et le regard tendus vers une femme du peuple, coiffée d'un bonnet phrygien qui laisse s'échapper des boucles. Celle-ci est représentée en pied et occupe de fait une place importante. Elle brandit par la hampe un drapeau tricolore qui occupe l'axe médian de la toile. Sa poitrine est en partie découverte. On distingue quatre autres personnages aux abords de la barricade : deux enfants des rues – l'un coiffé d'un béret brandissant des pistolets de cavalerie, la bouche ouverte sur un cri, l'autre coiffé d'un bonnet de police s'agrippant au pavé – un homme coiffé d'un haut-de-forme (qui laisse penser que c'est un bourgeois) mais portant le pantalon et la ceinture des ouvriers, les genoux sur la barricade, et un ouvrier portant béret, un sabre briquet à la main et sa banderole sur l'épaule. Les principaux protagonistes s'inscrivent dans un triangle dont le sommet est le drapeau. Les couleurs dominantes sont les bleu, blanc et rouge qui émergent des teintes grises et marron. La lumière semble provenir de l'arrière-plan et la femme s'avance vers nous en contre-jour. Les couleurs chaudes dominent les corps des émeutiers.
(1830)
(Musée du Louvre, Paris)
François Boucher, né le 29 septembre 1703 à Paris où il est mort le 30 mai 1770, est un peintre et goguettier français du XVIIIe siècle. Il est l'exemple type du style rococo.
Portrait au pastel de Boucher par Gustaf Lundberg
Portrait au pastel de Boucher par Gustaf Lundberg
Il est fils unique du peintre de l'académie de Saint-Luc Nicolas Boucher. Boucher reçoit ses premières leçons de son père.
Puis vers 1720, il entre dans l'atelier du graveur J.Fr Cars, pour qui, il produit ses premières gravures d'illustration. A partir de 1722, il travaille pour le collectionneur Julienne à la publication des Figures de différents caractères (1726-1728). 119 des 351 planches sont gravées par Boucher. Puis il participe à l'"½uvre gravée" de Watteau (1735). 21 pièces sont gravées par Boucher.
Parallèlement, il perfectionne son apprentissage de la peinture à l'huile auprès de François Lemoyne. Il remporte le Grand prix de peinture en 1723 et séjourne en Italie de 1727 à 1731.
En 1731, il est agréé à l'Académie de peinture et de sculpture, puis reçu en 1734 sur présentation d'un tableau qui se trouve maintenant au Louvre : Renaud et Armide.
Même s'il a été marqué par le style du peintre Lemoyne, vers 1736, Boucher trouve son style propre en devenant , en peinture, le maitre incontesté du style rocaille.
Marie-Jeanne Buzeau qui épousa Boucher en 1733.
Marie-Jeanne Buzeau par Alexandre Roslin
Il obtient à son retour d'Italie des succès de société, ainsi que la faveur de Madame de Pompadour, et devient le peintre à la mode. Membre de la célèbre goguette de la Société du Caveau, il y apporte souvent ses dessins pour les montrer. Ceux-ci, parfois, inspirent aux convives des sujets de chansons. Charles Pinot Duclos fait le pari de s'inspirer, pour écrire, d'estampes réalisées pour illustrer un texte de Charles Gustave de Tessin : Faunillane ou l'Infante jaune. Il compose alors le conte féerique Acajou et Zirphile. François Boucher est admis à l'Académie royale de peinture et de sculpture en tant que membre en 1734 et succède à Carle Vanloo comme Premier Peintre de Louis XV en 1765. Il travaille avec une extrême facilité et se vante d'avoir gagné jusqu'à 50 000 francs par an.
Il puise son inspiration dans l'univers poétique de la mythologie d'Ovide ( L'enlèvement d'Europe - 1747 - Louvre) et des scènes pastorales. Il peint aussi des scènes de la vie familiale (Le déjeuner - 1736 - Louvre), des paysages ( Le moulin - 1751- Louvre), des portraits et des tableaux religieux.
Boucher ne cherche pas à reproduire la réalité. Il est un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillant, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Il sera surnommé de son vivant "Le Peintre des Grâces" à cause de sa prédilection pour les nus féminins.
Il fournira aussi de nombreux cartons de tapisserie à la Manufacture de Beauvais et à la Manufacture des Gobelins. Il dirigea cette dernière à partir de 1755.
Il participe à la décoration des châteaux de Versailles et de Fontainebleau, à celle du Cabinet des Médailles (1741-1746) situé au sein de la Bibliothèque Nationale.
Il invente des décors pour le théâtre et l'Opéra.
Il donne,aussi, de nombreux modèles à la Manufacture de Sèvres, essentiellement, entre 1757 et 1767.
Son style passe de mode avec l'arrivée du néoclassicisme vers 1760. Jusqu'à sa mort, en 1770, Boucher garde son style et expose ses ½uvres au Salon sauf en 1767.
Le jeune Jacques-Louis David est présenté à Boucher, qui est un cousin éloigné de sa mère, pour devenir son élève, mais celui-ci préfère le confier à Joseph-Marie Vien. Son fils Juste-Nathan Boucher est architecte et peintre d'ornement.
Puis vers 1720, il entre dans l'atelier du graveur J.Fr Cars, pour qui, il produit ses premières gravures d'illustration. A partir de 1722, il travaille pour le collectionneur Julienne à la publication des Figures de différents caractères (1726-1728). 119 des 351 planches sont gravées par Boucher. Puis il participe à l'"½uvre gravée" de Watteau (1735). 21 pièces sont gravées par Boucher.
Parallèlement, il perfectionne son apprentissage de la peinture à l'huile auprès de François Lemoyne. Il remporte le Grand prix de peinture en 1723 et séjourne en Italie de 1727 à 1731.
En 1731, il est agréé à l'Académie de peinture et de sculpture, puis reçu en 1734 sur présentation d'un tableau qui se trouve maintenant au Louvre : Renaud et Armide.
Même s'il a été marqué par le style du peintre Lemoyne, vers 1736, Boucher trouve son style propre en devenant , en peinture, le maitre incontesté du style rocaille.
Marie-Jeanne Buzeau qui épousa Boucher en 1733.
Marie-Jeanne Buzeau par Alexandre Roslin
Il obtient à son retour d'Italie des succès de société, ainsi que la faveur de Madame de Pompadour, et devient le peintre à la mode. Membre de la célèbre goguette de la Société du Caveau, il y apporte souvent ses dessins pour les montrer. Ceux-ci, parfois, inspirent aux convives des sujets de chansons. Charles Pinot Duclos fait le pari de s'inspirer, pour écrire, d'estampes réalisées pour illustrer un texte de Charles Gustave de Tessin : Faunillane ou l'Infante jaune. Il compose alors le conte féerique Acajou et Zirphile. François Boucher est admis à l'Académie royale de peinture et de sculpture en tant que membre en 1734 et succède à Carle Vanloo comme Premier Peintre de Louis XV en 1765. Il travaille avec une extrême facilité et se vante d'avoir gagné jusqu'à 50 000 francs par an.
Il puise son inspiration dans l'univers poétique de la mythologie d'Ovide ( L'enlèvement d'Europe - 1747 - Louvre) et des scènes pastorales. Il peint aussi des scènes de la vie familiale (Le déjeuner - 1736 - Louvre), des paysages ( Le moulin - 1751- Louvre), des portraits et des tableaux religieux.
Boucher ne cherche pas à reproduire la réalité. Il est un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillant, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Il sera surnommé de son vivant "Le Peintre des Grâces" à cause de sa prédilection pour les nus féminins.
Il fournira aussi de nombreux cartons de tapisserie à la Manufacture de Beauvais et à la Manufacture des Gobelins. Il dirigea cette dernière à partir de 1755.
Il participe à la décoration des châteaux de Versailles et de Fontainebleau, à celle du Cabinet des Médailles (1741-1746) situé au sein de la Bibliothèque Nationale.
Il invente des décors pour le théâtre et l'Opéra.
Il donne,aussi, de nombreux modèles à la Manufacture de Sèvres, essentiellement, entre 1757 et 1767.
Son style passe de mode avec l'arrivée du néoclassicisme vers 1760. Jusqu'à sa mort, en 1770, Boucher garde son style et expose ses ½uvres au Salon sauf en 1767.
Le jeune Jacques-Louis David est présenté à Boucher, qui est un cousin éloigné de sa mère, pour devenir son élève, mais celui-ci préfère le confier à Joseph-Marie Vien. Son fils Juste-Nathan Boucher est architecte et peintre d'ornement.
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