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Ann « Annie » Lennox, OBE, est une chanteuse, auteur et compositrice britannique née le 25 décembre 1954 à Aberdeen. Elle est la fille unique d'un père chaudronnier sur les chantiers navals et d'une mère cuisinière. Elle commence sa carrière musicale avec Dave Stewart et Peet Coombes en 1975 au sein du groupe The Catch qui devient The Tourists en 1977. Après trois albums et la séparation du groupe, Dave Stewart et Annie Lennox continuent à collaborer et forment le duo Eurythmics. En 1983, le single Sweet Dreams (Are Made of This) permet au duo d'acquérir une notoriété mondiale. Durant les années 1980 avec huit albums studio et des singles à succès comme Here Comes the Rain Again ou There Must Be an Angel (Playing with My Heart), Eurythmics devient l'un des principaux groupes de pop anglaise de la décennie. En 1990, à la cérémonie des Brit Awards Annie Lennox annonce officiellement la séparation du groupe et décide de se retirer momentanément pour se consacrer à sa famille.



La carrière solo d'Annie Lennox commence en 1992 avec l'album Diva qui reçoit à la fois la reconnaissance des critiques et les faveurs du public. Elle réalise en 1995 un album de reprises Medusa. Le titre phare No More I Love Yous remporte le Grammy de la meilleure performance vocale pop féminine. Après une pause de huit ans, elle revient en 2003 avec l'album Bare. Elle remporte en 2004 un Oscar et un Golden Globe pour la chanson Into the West, extraite de la bande originale du film Le Retour du Roi. Son dernier album studio en date, Songs of Mass Destruction, sort en 2007.



Durant sa carrière, Annie Lennox a remporté à six reprises le Brit Award de la meilleure chanteuse britannique. Reconnue pour ses capacités vocales, elle a également signé avec Dave Stewart l'ensemble des chansons d'Eurythmics et ils reçoivent en 1983 et 1986 l'Ivor Novello Award de l'auteur de l'année. Durant sa carrière solo, Annie Lennox continue d'écrire et composer ses titres et remporte en 1993 l'Ivor Novello Award de la meilleure chanson pour Why.




Préoccupé par la cause tibétaine, elle a soutenu le moine Palden Gyatso et le musicologue Ngawang Choephel, deux prisonniers d'opinion tibétains pour la libération desquels Amnesty International fit campagne.

Selon sa maison de disques RCA, Annie Lennox a vendu plus de 80 millions de disques durant sa carrière, avec Eurythmics et en solo. Elle est faite Officier de l'Ordre de l'Empire britannique le 31 décembre 2010, pour services rendus à Oxfam.

Elle grandit dans une famille pauvre et prend des cours de piano à l'école dès l'âge de 7 ans. Adolescente troublée, en partie à cause d'un père qui la surprotège, elle cherche à conquérir son indépendance. À 17 ans, elle saisit l'opportunité de partir pour Londres étudier la flûte, à la Royal Academy of Music. Après trois années d'étude, elle en ressort sans diplôme, estimant que cette voie ne lui conviendrait pas. Elle est fascinée par la musique des artistes noirs de la Motown.

Son premier album solo, Diva, en 1992. Pour la production de l'album, elle travaille avec Simon Fuller. L'ensemble des chansons sont écrites et composées par Annie Lennox. L'album est globalement apprécié des critiques, même si plusieurs (dont Robert Christgau) attaquent le côté simpliste des paroles.



Au Royaume-Uni, Why atteint la première place des ventes d'albums et est certifié quatre fois disque de platine. Lors de l'édition de 1993 des Brit Awards, Annie Lennox remporte les trophées d'artiste féminine de l'année et d'album de l'année. Initialement, Annie Lennox ne désirait pas que son album soit distribué aux États-Unis, car elle trouvait le style trop éloigné des standards actuels. L'album est pourtant certifié deux fois disque de platine et lors des Grammy Awards, Annie Lennox obtient trois nominations : Album de l'année, Album pop de l'année et Meilleure vidéo long format. C'est dans cette dernière catégorie qu'elle sera distinguée, grâce à un film vidéo réalisé par Sophie Muller compilant les clips tournés pour chaque chanson de l'album.



Le premier single issu de l'album Why obtient le prix Ivor Novello de la meilleure chanson contemporaine. Il se classe à la troisième place des charts anglais. Les autres singles sont Precious, Walking on Broken Glass, Cold et Little Bird. Ce dernier est exploité en single comme une double face A, avec la chanson Love Song for a Vampire écrite pour la bande originale du film Dracula de Francis Ford Coppola.



Trois ans plus tard paraît Medusa, album de reprises qui est anticipé par le tube No More I Love you's. Grace au success du premier single (#2 en Angleterre) et de l'album Medusa (#1 en Angleterre et #11 aux États-Unis), Annie Lennox arrive à remporter en 1995 le Grammy de la meilleure performance vocale pop féminine.

En 1997, elle réenregistre la chanson d'Eurythmics Angel en hommage à Diana, princesse de Galles. Elle renoue avec Dave Stewart en 1998 et les deux artistes reforment momentanément le groupe Eurythmics en 1999 pour l'album Peace. En 2000, elle se recentre sur sa carrière solo et reprend la chanson Don't let it bring you down de Neil Young qui sera utilisée pour la bande originale du film American Beauty.
En 2003, Annie Lennox revient sur la scène musicale avec son troisième album solo, Bare, mais celui-ci passe inaperçu. L'année suivante, elle gagne l'Oscar de la meilleure chanson pour le titre Into the West du troisième film de la trilogie du Seigneur des anneaux, Le Retour du Roi. Elle avait également enregistré pour le film Use Well the Days, titre dont les paroles reprennent de nombreuses citations de Tolkien. Cette chanson n'est finalement pas retenue pour le film, mais elle apparaît toutefois sur un DVD bonus incluant une édition spéciale de la bande originale.





En juillet 2005, Annie Lennox participe au concert du Live 8 à Hyde Park, à Londres. La même année, elle chante Hush, Hush, Hush, une reprise de Paula Cole que l'on retrouve sur l'album Possibilities d'Herbie Hancock. Son quatrième album, Songs of Mass Destruction, sort en 2007 et est suivi deux ans plus tard par un best of des titres de sa carrière solo : The Annie Lennox Collection.




La discographie solo d'Annie Lennox est composée de quatre albums studio et une compilation. Sa discographie comprend également trois albums studio en tant que membre de The Tourists et neuf albums studio, deux compilations et un album en public avec Eurythmics.
En 2008, RCA annonce qu'Annie Lennox a vendu plus de 80 millions de disques durant sa carrière solo et la période avec Eurythmics

En 1943, alors qu'il vient de se marier pour la quatrième fois, il est victime d'un procès en reconnaissance de paternité que lui intente l'actrice Joan Barry et qui défraie la chronique.



En 1946, Chaplin tourne son film le plus dur, Monsieur Verdoux. Orson Welles propose à Chaplin un scénario basé sur l'affaire Landru. Chaplin se l'approprie, réécrit le scénario, en y incorporant une critique du monde de l'Après-guerre et de ses dégâts économiques et sociaux. Pour éviter tout malentendu avec Welles, qui a écrit la première mouture du scénario, il lui propose 5 000 dollars et sa mention au générique. Ce que le cinéaste, en délicatesse financière, accepte. Une fois encore, Chaplin livre un message empreint de cynisme mais également d'humanisme.



En 1950, il vend la quasi-totalité de ses parts à la United Artists et travaille aux Feux de la Rampe où il décrit la triste fin d'un clown dans le Londres de son enfance. Ses propres enfants apparaissent comme figurants et Chaplin tient le premier rôle. Le film sort en 1952 à Londres et vaut un triomphe à son auteur. L'une des plus belles scènes du film se trouve vers la fin : Buster Keaton joue un pianiste et Chaplin un violoniste. Mais rien ne se déroule comme prévu car Keaton a des problèmes avec ses partitions et son piano et Chaplin doit se battre avec les cordes de son violon. Grand moment de comique burlesque avec ces deux géants d'une époque révolue. Il faut noter, que sur des paroles de Jacques Larue, c'est Chaplin qui a écrit la musique de la chanson du film Deux petits chaussons.
Victime du maccarthisme (son nom figure sur la « liste noire »), il est harcelé par le FBI en raison de ses opinions de gauche (pour sa part, il se présentait comme un « citoyen du monde »). Pour cette raison, il se voit refuser le visa de retour lors de son séjour en Europe pour la présentation de son film. Il renonce alors à sa résidence aux États-Unis et installe sa famille en Suisse jusqu'à la fin de ses jours.
Après avoir reçu le Prix international de la paix en 1954, il tourne à Londres Un roi à New York (1957) où il ridiculise la « Chasse aux sorcières » menée dans l'Amérique de la Guerre froide.



En 1967, il tourne son dernier film, cette fois-ci en couleur, La Comtesse de Hong-Kong, avec Sophia Loren, Marlon Brando et Tippi Hedren, dont l'action se déroule sur un paquebot et où il ne tient qu'un petit rôle : celui d'un steward victime du mal de mer.
Au cours des années 1970, le monde entier lui rendra hommage : Prix spécial au Festival de Cannes en 1971 (Festival où Jacques Duhamel, alors ministre des Affaires culturelles, le fit commandeur de l'ordre national de la légion d'honneur), Lion d'or à la Mostra de Venise, anoblissement par la reine d'Angleterre, Oscar spécial... Fêté et adulé, "Sir" Charles Spencer Chaplin s'éteint au matin de Noël, le 25 décembre 1977.



Début mars 1978, sa tombe est violée et sa dépouille est dérobée. De nombreuses demandes de rançon plus ou moins farfelues sont adressées à la famille Chaplin. Le corps du cinéaste sera retrouvé quelques semaines plus tard, et les deux malfrats qui l'avaient enlevé seront condamnés pour tentative d'extorsion de fonds.

Le monde de Chaplin et surtout celui de son personnage Charlot est celui du muet. Cependant, avec l'arrivée du parlant, Chaplin a dû faire un choix et opérer un passage du muet au sonore, puis au parlant.



C'est dans Les Lumières de la ville que Chaplin débute ce passage au sonore. Il utilise une bande son qu'il a lui-même composée et quelques effets de bruitage. Cependant, comme le dit Michel Chion, il s'agit tout de même d'un « véritable manifeste pour la défense du muet ». Dès le départ, le titre du film le place sous le signe du visuel : la lumière. De nombreuses scènes se font également sous le signe de la révélation visuelle (dévoilement des statues et la scène finale où la jeune femme reconnaît Charlot) et de voyeurisme (Charlot regardant une statue de femme nue). Choisir le sujet d'une jeune aveugle aurait pu permettre à Chaplin de travailler sur le monde du son. Or, s'il y a une chose qui n'est pas sonore, c'est bien le moment où le bruit de la portière fait croire à la jeune aveugle que Charlie est un millionnaire - gag qui a nécessité plusieurs mois d'élaboration, et plusieurs interruptions de tournage. Le bruitage se veut également un pied de nez au parlant. Lors de la scène de l'inauguration des statues, les seuls sons qui sortent de la bouche des officiels sont « quelques bêlements de saxophone à peine synchronisés avec le mouvement des lèvres », qui évoquent la banalité du discours. De plus, lorsqu'un homme mange le savon de Charlie et que celui-ci se met à le disputer, tout ce qui sort de sa bouche est des bulles de savon, comme si toute parole était vaine.



Lorsque Chaplin débute le tournage des Temps Modernes (1936) en parlant, il se rend compte bien vite qu'il s'y perd. Il décide de brûler sa pellicule et de tout recommencer depuis le début. Même si son film est musicalisé à 90 %, il reste muet, continuant d'avoir recours aux cartons pour les dialogues. Cependant, les intrusions de sons réalistes se font de plus en plus nombreuses : sons de machines, mais surtout, apparition de voix. Les premières lignes de dialogues sont retransmises par des machines : par le circuit de surveillance, par le gramophone et par une radio. D'ailleurs, la première voix entendue (celle du patron) est menaçante et toute puissante, provoquant l'esclavage des employés. Les autres voix, celles émises directement par les bouches des personnages, continuent à ne pas se faire entendre et sont retransmises par des cartons. La seule fois où on entend réellement un personnage parler « en direct » est également la première fois où l'on entend la voix de Chaplin. Cependant, même si celui-ci essaie d'avoir un langage articulé, il baragouine, ayant oublié les paroles de sa chanson : « c'est comme le langage à la naissance », langage que Chaplin développera dans les prochains films.



Dans Le Dictateur, contrairement aux Lumières de la ville, le titre fait appel au monde de la parole. Même si le film est presque entièrement parlant et renonce définitivement aux cartons du muet, Chaplin ne renonce pas encore au langage de la pantomime. De surcroît, il s'agit du film où la « question du discours, de la parole retransmise est posée avec la plus grande virulence ». Le film sera donc divisé entre deux discours importants : celui de Hynkel et celui du barbier. Celui de Hynkel sera ridiculisé par un charabia agressif (mélange de yiddish, d'allemand et d'anglais), créant ainsi un « espéranto noir, un charabia au jappement glapissant ponctué de borborygmes et de hoquets ». Le deuxième discours, celui où le barbier prend finalement la parole à la fin du film est également très important. Tout au long du film, le barbier s'est contenté de dire oui et non, de hocher de la tête. Il ne parle pas. Cependant, la finale du film l'obligera à prendre la parole, alors qu'un officier lui dit : « Le monde attend vos paroles ». À cela, il répondra qu'il ne peut pas. Cependant, Schultz lui rappellera qu'il n'a pas le choix : « Vous devez parler, c'est notre seul espoir ». Ce n'est donc pas Charlot, ni le barbier qui se lève : c'est Chaplin qui prendra sa place et qui prononcera le discours, reprenant la parole à Hitler, substituant le Logos à ses éructations animales.



Pour compléter sa transition au parlant, Chaplin a dû renoncer au personnage du vagabond et adopter un personnage anti-Charlot : Verdoux. Comme le dit André Bazin, « il n'est pas un trait de Charlot qui ne soit en Verdoux retourné comme les doigts d'un gant ». À la fin lorsque l'homme se dirige vers l'échafaud,« vient alors le gag sublime, informulé mais évident, le gag qui résout tout le film : Verdoux c'était lui ! Ils vont guillotiner Charlot. Les imbéciles ne l'ont pas reconnu ». C'est donc la mort d'un personnage, mais également la mort définitive du muet.